¡El arte para todos!

¡Feliz San Isidro! Los cartones de Goya y Madrid

2010-05-13T21:42:00.001+02:00

Entre 1775 y 1792 Goya pintó numerosos cartones cuya función era servir de modelo para los tapices de la Real Fábrica de Santa Bárbara. En ellos, siguiendo el gusto rococó de los monarcas Borbones, retrató escenas cinegéticas y de temática popular, y llevó a cabo una amable representación de la sociedad madrileña de la época.

Un ejemplo son tres cuadros cuyas reproducciones a modo de tapiz estaban destinadas a adornar el dormitorio de las Infantas en el Palacio del Pardo: La ermita de San Isidro, La pradera de San Isidro y La gallina ciega.

En los dos primeros encontramos representada una de las festividades más castizas de Madrid: las fiestas de San Isidro Labrador con su tradicional peregrinaje a la Ermita del Santo. Estos dos cuadros son en realidad dos bocetos del pintor, que nunca llegó a trasladarlos al cartón, debido a la repentina muerte de Carlos IV.

La gallina ciega, por otro lado, nos muestra un grupo de majos y majas que se divierten y coquetean mientras juegan al cucharón.

Los aristócratas de la época no sólo disfrutaban contemplando representaciones de las costumbres populares, sino que además gustaban de participar en las celebraciones del pueblo de Madrid, para lo que a menudo se vestían al gusto de los majos y majas y se camuflaban entre ellos. Este hábito ha dejado un importante legado: trajes de gusto popular, pero confeccionados con exquisitos materiale. En el Museo del Traje encontraréis valiosos ejemplos.

En la galería de El arte para todos puedes encontrar varios de estos cartones para tapices, así como otras obras de Goya, para adquirir una reproducción al tamaño que desees.

FRANZ VON STUCK Y LA PRIMAVERA

2010-04-19T23:52:00.001+02:00

Con el deseo de acabaro con el maleficio de un Invierno que no permite la llegada de la Primavera, dedico la entrada de hoy a estos dos cuadros de Franz Von Stuck, cuya protagonista es la huidiza, inestable y anhelada estación.

Para los que no conozcáis a este pintor, ps diré que en realidad yo tampoco supe de él hasta que un buen día me encontré con su pintura Pygmalion mientras investigaba en nuestra galería para la entrada dedicada a El amor en el arte.

Franz Von Stuck no es el autor más conocido del Simbolismo y el Art nouveau, y sin embargo alcanzó un alto nivel de fama en su época, cofundó el movimiento Sezession en Munich y contó entre sus alumnos con posteriores grandes pintores, como Paul Klee o Wassily Kandinsky.

Otra de sus grandes obras fue la pryección del edificio destinado a convertirse en su hogar, que su esposa y él llamaron Villa Stuck, así como la decoración del interior del mismo. En la actualidad es un museo que alberga gran parte de las colecciones del artista.

Estas son algunas de las obras del autor disponibles en nuestra galería.

HOMBRES VESTIDOS A LA ESPAÑOLA EN LOS SIGLOS XVI y XVII

2010-03-31T13:26:00.001+02:00

La Historia del arte ha dejado abundantes testimonios acerca de la indumentaria española durante los siglos XVI y XVII. A partir del reinado de Felipe II la moda española sufre una transformación radical: frente a la libertad, el colorido y la influencia de otras modas durante el reinado de Carlos I, el nuevo traje a la española vendrá marcado por la austeridad y la rigidez de una etiqueta que pretendía transmitir los ideales de la Corona española. Desde este momento y hasta final del siglo XVI, España pasa de ser receptor de moda a creador y modelo a seguir por las otras cortes europeas.

El traje masculino del siglo XVI, caracterizado por el uso del color negro, estaba compuesto principalmente por jubón y calzas. El complemento más característico era el cuello de lechuguilla que fue aumentando su tamaño y ornamento progresivamente.

Sobre el jubón, los caballeros españoles vestían el coleto o la ropilla, y las calzas se caracterizaban por su pomposidad y corta longitud, que dejaba las piernas al descubierto.

Sin embargo, a partir del siglo XVII España pierde protagonismo político y económico en el contexto europeo, y, como consecuencia de ello, la indumentaria a la española pierde igualmente su influencia a nivel internacional. No obstante, los españoles se aferrarán más que nunca a sus costumbres y la indumentaria en nuestro país seguirá su curso, desmarcándose de la tendencia europea hacia el modelo francés.

Durante el siglo XVII, el traje masculino a la española sufrirá pequeñas pero importantes modificaciones. El cuello de lechuguilla será sustituido por el más austero cuello de golilla, que pasará a ser todo un símbolo del carácter serio y altivo español. Este autorretrato de Velázquez muestra claramente este cambio.

Por otra parte, las calzas serán sustituidas por los calzones, más largos y estrechos, y a menudo encontraremos capas más largas.

Para saber más acerca de este período de la moda española, así como de lo que hubo antes, os recomiendo que leáis este artículo de la especialista Amalia Descalzo.

Reprotel estrena su nueva Web

2010-03-23T11:52:00.002+01:00

Hoy interrumpo mis publicaciones dedicadas a las obras de El arte para todos para comunicaros que Reprotel ya tiene nueva página web.

Desde que en 1997 nació nuestra empresa, uno de nuestros objetivos principales ha sido potenciar la venta de nuestros productos y servicios a través de Internet. Los años y las exigencias han dejado obsoleta nuestra antigua página con respecto a nuestras exigencias y las de nuestros clientes, por lo que hemos iniciado el año 2010 con el proyecto de renovar la página y paliar todas las carencias que acarreábamos.

Para esta tarea hemos contado con al empresa Grartwork. Esta colaboración ha sido muy productiva y el resultado es la web que tienes ante ti.

Las principales novedades son:

- Mejoras en la usabilidad, menús más intuitivos.

- Formulario de solicitud de presupuestos.

- Nuevos apartados, como “atención a empresas”, donde incluimos un formulario de solicitud de apertura de cuenta con Reprotel, o “la oferta del mes”, para que te beneficies de las promociones que hemos programado mensualmente.

- Links a nuestras redes sociales; estamos en Facebook, Twitter, Flickr, y contamos con este Blog de El arte para todos.

Además, ahora tenemos este apartado de noticias, para mantenerte al día sobre nuestras novedades, y otro apartado de comentarios, para que tú mismo nos cuentes tus cosas.

¡No dejes de explorar nuestra nueva web!

Carlos I y Felipe II. Padre e hijo

2010-03-16T14:07:00.002+01:00

Especial San José, Día del padre

En 1527, hacia las 16:00 horas, nació el primer hijo del emperador Carlos I, el futuro rey de España, Felipe II. El parto duró 13 horas, durante las cuales el Emperador permaneció junto a su esposa, Isabel de Portugal.

Carlos I demostró su alegría ante el nacimiento de su primogénito organizando festejos grandes festejos.

A pesar de ello, los continuos viajes de Carlos I para gestionar su basto Imperio lo mantuvieron a menudo alejado de su hijo, y fue Isabel la que se encargó de la educación del pequeño y de la regencia del Reino de España. Sin embargo, esta murió prematuramente, a la edad de 36 años y la educación del heredero fue confiada a su tutor, Don Juan Martínez Siliceo, y a su ayo, Juan de Zúñiga.

A partir de 1543, el príncipe Felipe comenzará a hacerse cargo de la regencia de España, durante los frecuentes viajes de su padre. Carlos I le escribirá abundante correspondencia y le dará instrucciones, normas de gobierno y consejos sobre asuntos de Estado. Por ejemplo, discutir los asuntos con varios consejeros y no dejarse guiar por el juicio de uno solo; recomendación que servirá al futuro rey durante toda su vida, a pesar de que durante la regencia manifieste, en más de una ocasión, el desacuerdo con su padre.

Sin embargo, el Emperador no sólo aconsejó y ordenó al joven príncipe en los asuntos de la Corona, sino que también intercedió en su vida conyugal. Cuando en 1543 Felipe contrae matrimonio con María Manuela de Portugal, su padre le da instrucciones para evitar excesos en los encuentros sexuales con su esposa, ya que se creía que tales actos habían causado la muerte del príncipe Juan, único hijo varón de los Reyes Católicos.

Además, a la muerte de María Manuela, Felipe acata la decisión de su padre de contraer segundas nupcias con María I de Inglaterra, María Tudor, puesto que, como él mismo indica, es un hijo obediente y no tiene más deseo que el propio del Emperador.

En 1555, Carlos I, que había entrado en una etapa de su vida de profunda reflexión, abdica en su hijo, que pasa a ser Felipe II, rey de España, Sicilia y las Indias. En este momento Carlos I se retira al Monasterio de Yuste.

Carlos I tuvo otros tres hijos, fruto de su matrimonio con Isabel de Portugal y otros cinco hijos extramatrimoniales, entre los que destaca Juan de Austria, hijo del Emperador y de Bárbara Blomberg.

Felipe II también fue padre… Pero esa es otra historia y debe ser relatada en otro momento. No obstante, retomemos el misterio del cuadro La dama del armiño, porque de ser cierto que la obra fuera realizada por Sofonisba Anguissola, la mujer retratada podría ser precisamente una de las amadas hijas del citado rey, concretamente Catalina Micaela.

IV CENTENARIO DE LA MUERTE DE CARAVAGGIO

2010-03-04T10:58:00.004+01:00

Italia celebra por todo lo alto el cuarto centenario de la muerte de Caravaggio. Entre otras actividades, se ha programado una fantástica exposición en Las caballerizas del Quirinal, en Roma.

Michelangelo Merisi da Caravaggio nació en 1571, en Caravaggio, población perteneciente al condado de Bergamasco, en Lombardía. A pesar de no llevar una vida precisamente piadosa, la mayoría de sus obras son de temática religiosa. Sin embargo, el carácter naturalista de su pintura le ocasionaría más de un encontronazo con la Iglesia Católica, lo que plagó su vida de escándalos. A pesar de ello, su pintura y el estilo por él inaugurado, el Tenebrismo, fueron de gran utilidad para la difusión del mensaje católico durante la Contrarreforma.

Caravaggio es, pues, el creador del Naturalismo tenebrista o Tenebrismo, estilo naturalista con el acento puesto en la técnica del Claroscuro, que consiste en remarcar el contraste lumínico entre las zonas iluminadas de la escena y las que están en sombra. Esta técnica se usaba desde el Cinquecento, pero es con Caravaggio con quien alcanza su madurez.

Uno de los aspectos de la obra de Caravaggio que la Iglesia católica consideraba inaceptable era que a menudo usaba como modelos para sus vírgenes, santos y santas personajes de la calle, vagabundos y prostitutas. Por ejemplo, cuando realizó la pintura San Mateo y el ángel se formó un buen escándalo, debido, entre otras cosas, a que representó al santo como un hombre de baja condición, tosco y rudo. Caravaggio tuvo que rehacer el cuadro y el resultado que el que tenéis aquí abajo; se considera que para el ángel tomó como modelo a su amigo Cecco. Lo más triste de esta historia es que la primera versión resultó destruida, en los bombardeos de Alemania en la II Guerra Mundial.

Sin embargo, algunos personajes posaron repetidamente para el maestro del claroscuro, entre los que destacan dos amigos, Mario y Cecco, cuyos retratos han dado lugar a ciertas teorías acerca de una posible homosexualidad del artista. Uno de ellos es este Muchacho con cesto de fruta, para el que posó su amigo, Mario Minniti, que también era pintor y que continuó posando para Caravaggio hasta que contrajo matrimonio, aunque su amistad duró para toda la vida. Otras obras para las que Mario posó son Baco, Concierto de jóvenes y La buenaventura.

Cecco, por otro lado, fue discípulo, modelo, amigo y, según algunos, amante de Caravaggio. Entre las obras para las que posó encontramos Amor victorioso y las famosas representaciones de San Juan Bautista. Otras pinturas en las que aparece son Cena en Emaús (Jesús), El sacrificio de Isaac y David con la cabeza de Goliat, en dos de sus versiones.

Nos detenemos ante la primera de ellas para hablar de la leyenda de un cuadro maldito. Al parecer, este cuadro fue adquirido por el Conde de Villamediana, en Nápoles, entre 1611 y 1617. Bien, pues este conde fue asesina en 1622 en Madrid. Un año después, compró el cuadro el Príncipe de Gales, que pasó a ser rey con el nombre de Carlos I y que acabó siendo decapitado.

Esta otra versión del mismo tema, nos sirve para hablar del declive y final del artista. En 1606 asesinó en una reyerta nocturna a Un hombre llamado Ranuccio Tomassoni, por lo que tuvo que huir de Roma a Nápoles, donde quedó a salvo de la autoridad romana bajo la protección de los Colonna. Allí continuó su carrera con gran éxito y a continuación viajó a Malta, donde fue nombrado caballero de la Orden de Malta y pintor general de la misma. Sin embargo, un nuevo altercado provocó su expulsión, y Caravaggio se asentó en Sicilia con la ayuda de Mario Minniti. Tras nueve meses allí, regresó al amparo de los Colonna en Nápoles y consiguió el perdón papal, al parecer gracias a la ayuda del Cardenal Scipione Borghese, para quien al parecer pintó este David con la cabeza de Goliat en agradecimiento por su mediación; la cabeza de Goliat es un autorretrato del propio artista.

En cuanto a la muerte del artista, los hechos no están muy claros, pero aparentemente murió sólo en un hospital de Porto Ércole presa de unas fiebres. Si quieres saber un poco más sobre su misteriosa muerte, te recomiendo que leas este artículo.

Sofonisba Anguissola o ¿Quién pintó La dama del armiño?

2010-02-22T12:42:00.000+01:00

Buscando obras de El Greco en nuestra galería para una entrada que quiero hacer acerca del traje español en los siglos XVI y XVII, me quedé un poco sorprendida al no encontrar entre ellas La dama del armiño, ya que estaba prácticamente segura de que la teníamos. Al final, la encontré, pero no entre las obras del autor manierista, sino entre las de una pintora que desconocía, por mi ignorancia y debido silencio de la historia del arte entorno a las mujeres: Sofonisba Anguissola.

Al parecer existe una gran polémica alrededor de La dama del armiño, pues aunque la mayoría de los autores la atribuyen a El Greco, otros muchos están convencidos de que en realidad fue realizada por la pintora de origen italiano. Al parecer, un análisis del vestido realizado por la especialista Carmen Bernis permitió establecer la fecha exacta de realización y, al compararlo con otros de El Greco se comprobó que había muchas diferencias en cuanto a técnica y pincelada. Por otra parte, parece ser que el hermoso rostro de la joven retratada es idéntico a otros realizados por Sofonisba para representar a la Infanta Catalina Micaela. Además se observan muchas similitudes en cuanto a composición y ejecución con otras obras de la artista.

En caso de que esta obra efectivamente correspondiera a Sofonisba de Anguissola no sería la primera de la artista que se atribuye a otros pintores. A pesar de haber sido muy querida en su época, y alabada por grandes artistas coetáneos como Miguel Ángel, tras su muerte pronto cayó en el olvido, y la mayoría de sus obras fueron atribuidas a otros pintores hombres, como Bronzino, Sánchez Coello, Zurbarán, etc.

Sofonisba nació hacia 1532 en Cremona, Italia. Su familia pertenecía a la pequeña nobleza y, tanto ella como sus hermanos, recibieron una completa educación que incluía latín, música y pintura. El padre de Sofonisba envió a esta y a su hermana Elena al taller del pintor Bernardino Campi, primer maestro de Sofonisba. Esto no era común en una época en la que a la mujer le estaban vedadas muchas puertas, entre ellas la pintura. El padre de Sofonisba siempre apoyó su trabajo y, de hecho, dedicó grandes esfuerzos a promocionar la pintura de su hija.

Sofonisba adquirió una gran popularidad, gracias a la cual fue invitada por Felipe II a Madrid, donde se convirtió en dama de compañía y maestra de pintura de la Reina Isabel de Valois. En la Corte española realizó numerosos retratos de la familia real y de otros personajes.

Permaneció en Madrid hasta su matrimonio con el noble siciliano Fabrizio Moncada, con quien se instaló en Palermo; pero este matrimonio duró poco, debido a la muerte del marido. Posteriormente Sofonisba contrajo matrimonio con Orazio Lomellini, el capitán del barco en el que viajaba cuando, tras haberse quedado viuda, inició su regreso a Cremona. Orazio siempre apoyó el trabajo de su mujer, por lo que esta pudo continuar cómodamente y con bastante éxito su carrera en Génova, realizando retratos y pintura religiosa, ya dentro del espíritu de la Contrarreforma. Los últimos años de su vida los pasará, sin embargo, en Palermo.

Obras en nuestra galería

Juego de ajedrez

Esta obra destaca por el juego de miradas que se establece entre los personajes y porque la pintora nos hace cómplices de una escena familiar, ya que las retratadas son sus propias hermanas y el aya.

Retrato de familia

Otra escena familiar en la que la autora retrata a dos de sus hermanos con su padre, Amilcare Anguissola. En este retrato se muestra el agradable clima familiar en que se crió Sofonisba.

Autorretratos (1554, 1556 y 1561)

La pintora italiana realizó unos 16 autorretratos, en los que se nos mostraba siempre no sólo como maestra de pintura, sino como personaje de alta alcurnia y elevada cultura. En todos ellos destaca su mirada, que transmite serenidad y confianza en sí misma.

VENECIA, SEGÚN CANALETTO

2010-02-17T11:00:00.005+01:00

Giovanni Antonio Canal, Canaletto, fue el pintor de vedute más destacado de la Venecia del siglo XVIII. La palabra vedute alude al género pictórico de vistas urbanas, muy popular en la Italia del Settecento (siglo XVIII).

Canaletto inició su carrera con su padre, que pintaba decorados para obras teatrales. Más adelante viajó a Roma, donde conoció la obra de Giovanni Paolo Pannini, especializado en grandes paisajes y ruinas clásicas. Además, entró en contacto con otros paisajistas y comenzó a pintar escenas urbanas.

Cuando regresa a Venecia realiza sus primeras vistas de la ciudad, que tanta fama le darán. Su época de mayor esplendor se dará entre 1730 y 1746; recibirá muchos encargos sobre todo de nobles británicos que visitan la ciudad. Es por esto que más adelante se instalará en el Reino Unido, para estar cerca de su clientela, y sin embargo será allí donde se inicie su decadencia; las críticas le achacan un estilo monótono y autómata.

En 1755 regresó a Venecia. Su etapa final está marcada por el uso de una técnica más oscura.

La Venecia actual no es muy diferente a la que conoció Canaletto en el siglo XVIII, ya que aquí el tiempo parece haberse detenido. Vamos a recorrerla de la mano de Canaletto.

A. Varias vistas del Gran Canal

Canaletto, Entrada al Gran Canal El Gran Canal en Rialto

El Gran Canal, Canaletto

Las regatas sobre El Gran Canal, Canaletto

La ciudad de Venecia es la capital de la región del Véneto. Está formada por un conjunto de 120 pequeñas islas, unidas entre sí por puentes, en la Laguna de Venecia, entre las desembocaduras de los ríos Po y Piave, que conecta con el Mar Adriático por tres bocas.

Lo más característico de Venecia son sus múltiples canales, de variada longitud y anchura, y el mayor de todos ellos es el Gran Canal, que recorre gran parte de la ciudad con sus 4 kilómetros de longitud, trazando una S. A pesar de su tamaño, sólo cuenta con 4 puentes. El Puente Rialto, del que hablaremos más adelante, es el más antiguo. El Puente de la Academia es un puente de madera inaugurado en 1933. El Puente de los descalzos, que data de 1934 cercano a la estación de tren de Santa Lucía. Y el Puente de la Constitución, también cercano a dicha estación, es un moderno puente proyectado por Santiago Calatrava e inaugurado en 2008, que ha sido motivo de polémica porque en un principio no era accesible para personas de movilidad reducida y por grandes demoras en su construcción, que además supusieron un importante incremento en los costes.

La mejor forma de recorrer este canal es coger el traghetto que une la estación Santa Lucía con la Plaza San Marcos. A lo largo del recorrido se pueden contemplar algunos de los edificios más destacados de la ciudad, como la Ca’ D’oro, sede de la Galería Franchetti, o la Ca’ Pesaro, Museo de Arte Moderno.

En la obra Regatas sobre el Gran Canal, Canaletto retrata esta antigua costumbre veneciana, que al parecer hoy en día se sigue recordando anualmente, el primer domingo de septiembre.

B. La plaza frente a San Giacomo de Rialto, Canaletto

Junto al Mercado Rialto encontramos la Iglesia de San Giacomo de Rialto, que es una de las más antiguas de Venecia. La historia de esta iglesia y la del mercado están ligadas, como demuestra una inscripción en la primera que encomienda a los mercaderes a ser honestos y a marcar los pesos con exactitud. Se la conoce también como San Giacometto, porque su tamaño es pequeño en comparación con los otros edificios religiosos de la ciudad, pero su pórtico gótico nos demuestra que es única en Venecia.

C. El puente Rialto, Canaletto:

El Puente Rialto es el más famoso de la ciudad y fue el primero en cruzar el Gran Canal. En un primer momento, en el siglo XII, no era más que un puente flotante, pero debido al desarrollo del Mercado Rialto, en la orilla oriental, hizo que hacia 1250 fuera remplazado por un verdadero puente de madera. A partir de ese momento, el puente pasó por revueltas, hundimientos y otros avatares que hicieron que tuviera que ser reconstruido un par de veces, hasta que en el siglo XVI se decidieron a hacerlo en piedra. Antonio da Porta fue el arquitecto que llevó a cabo el proyecto y se basó en el anterior puente de madera, creando un puente de un solo arco, con dos rampas inclinadas que se cruzan en un pórtico central. A los lados de las rampas se diseñaron unos espacios para negocios, a través de los cuales Venecia recauda pingües impuestos.

Existe una leyenda alrededor de la construcción del Puente Rialto. Al parecer, cuando se iniciaron los trabajos, y a pesar de la maestría del jefe de obra, Sebastiano Bortoloni, y sus operarios, la rampa que era construida durante el día, a la mañana del día siguiente aparecía hundida. Una noche, Sebastiano decidió esperar junto al puente para ver cuál era el problema. El diablo se le apareció y le reclamó el alma del primer individuo que cruzara el puente a cambio de permitirle acabar la obra. Sebastiano aceptó esperando engañar al diablo habiendo pasar a un gallo el día de la inauguración. Sin embargo, la noche antes de este evento, el diablo, intuyendo el engaño, se disfrazó de operario y convenció a la mujer de Sebastiano, embarazada, de que cruzase el puente para ir a encontrarse con su marido. La pobre esposa y el nonato murieron al poco tiempo. La leyenda continúa con el espíritu del niño vagando por el puente.

D. Campo de Santa María Formosa, Canaletto (1735)

Obra perteneciente a su época de esplendor, en la que retrata esta plaza llamada Campo de Santa María Formosa. La leyenda cuenta que la Virgen María se le apareció en este lugar al Obispo San Magnus, en el siglo VII, y le encomendó la construcción de una iglesia allí. Formosa quiere decir hermosa, y se le puso en honor a la belleza generosa en carnes de la Virgen aparecida.

Se trata de una de las plazas más grandes de Venecia, y es muy agradable de visitar por su ambiente popular.

E. La Plaza de San Marcos, Canaletto

La grandiosa plaza es sin duda el corazón de la ciudad, tiene forma de trapecio y 170 metros de longitud. El espacio era al parecer, en un primer momento, un gran huerto, donde se decidió instalar el Palacio Ducal y, posteriormente la Basílica de San Marcos. Esta es la principal iglesia de Venecia, que fue edificada para albergar el cuerpo de San Marcos, traído desde Alejandría. De hecho, está construida siguiendo un estilo bizantino, como demuestran sus cúpulas y los valiosos mosaicos del interior.

F. El palacio ducal

El Palacio Ducal es sin duda uno de los grandes símbolos de la ciudad de Venecia. Sus dos fachadas principales se asoman a la laguna de Venecia y a la Plaza San Marcos. Durante siglos fue la residencia de los duques, sede del gobierno y palacio de justicia, así que no sólo por su belleza ha sido relevante en la vida de Venecia.

Se inició en el siglo XIV dentro del estilo Gótico, pero no fue finalizado hasta el siglo XVI, en un estilo renacentista. Además, al parecer varios incidentes, incendios y demás cambiaron sustancialmente el proyecto original. En la actualidad es un museo que constituye una de las visitas más interesantes de Venecia.

La escalera de los gigantes en el palacio ducal, Canaletto

En este cuadro, Canaletto retrata La escalera de los gigantes, que es una imponente escalera situada en el patio tras la monumental Puerta de la Carta, que da entrada al palacio. Recibe su nombre por las dos esculturas situadas sobre ella, que representan a Marte y Neptuno, obra de El Sansovino.

El Puente de los suspiros y la Riva degli schiavoni, Canaletto

En realidad desde esta perspectiva se aprecia poco del Puente de los Suspiros, ya que no es el primero que se ve, sino el arco que queda detrás y del que se aprecia sólo una rampa. Sin embargo, el Puente de los Suspiros es uno de los más famosos de Venecia. Une el Palacio Ducal con las llamadas Prigioni Nuove (prisiones nuevas), construidas en el siglo XVII. De este modo, los reos cruzaban el puente desde las prisiones para ser juzgados.

El amor en el arte. Especial San Valentín

2010-02-09T11:20:00.006+01:00

Con motivo del próximo San Valentín, os mostramos y os comentamos algunas obras de nuestra galería, dedicadas al amor.

Jan Van Eyck, El matrimonio Arnolfini:

Jan Van Eyck (c. 1390-1441) es uno de los pintores flamencos más conocidos y éste es uno de sus cuadros más populares, por el simbolismo que encierra y por ciertas dosis de misterio en torno a él.
El primer enigma es ¿quién es esta pareja? Los Arnolfini eran una destacada familia de comerciantes en Flandes, procedentes de la ciudad de Lucca en Italia. La identidad exacta de este matrimonio, en cambio, se desconoce, aunque parece ser que podría tratarse de Michele, desposado con Elizabeth, de familia desconocida.
Otro enigma que ha dado lugar a chorros y chorros de tinta es si ella estaba embarazada o no. A este respecto, no podemos dejarnos engañar por su silueta, ya que la moda de entonces imponía llevar un corpiño o cartón de pecho que marcaba el talle de los vestidos bajo éste, produciendo un abombamiento del vientre. Pensemos que la indumentaria infantil propiamente dicha no apareció hasta finales del XIX, principios del XX, por lo que desde muy pequeñas las mujeres llevaban este tipo de armazones interiores, que condicionaban el crecimiento de su cuerpo.
Camuflados como elementos de la vida doméstica, encontramos muchos símbolos, como el perrito, que alude a la fidelidad conyugal; como la lámpara con una vela y la figura de Santa Margarita en el pomo de la cama, que se refieren al matrimonio; o como el manojo que pende del lecho, que simboliza la fertilidad. Os recomiendo visitar este blog para saber más sobre la simbología de este cuadro:http://www.blogodisea.com/el-matrimonio-arnolfini/arte/

Sandro Botticelli, Venus y Marte:

El gran pintor italiano del Quattrocento, Botticelli (1445-1510), realizó en 1483 esta obra de temática mitológica, que se conserva en la National Gallery de Londres. La obra representa a Marte, dios de la guerra, durmiendo profundamente, agotado tras haber hecho el amor con Venus, diosa del amor, que vigila el sueño de su amado. En último término el cuadro simboliza el triunfo del amor sobre la guerra.
Por su formato alargado, los historiadores entienden que se trata de una pieza de mobiliario, probablemente un tablero de un arcón o una cama. Además, las avispas representadas alrededor de la cabeza de Marte podrían indicar que perteneció a los Vespucci, a la que pertenecía Simonetta Vespucci, habitual musa del artista. En esta imagen no las veis, porque son pequeñitas, pero pinchad en este enlace y disfrutad un rato: http://www.nationalgallery.org.uk/paintings/sandro-botticelli-venus-and-mars

Jacopo Pontorno, Venus y Amor:

Mucho más ambiguo es este cuadro de Jacopo Pontorno (1494-1557), pintor florentino del Cinquecento influído por Fra Bartolomeo, Miguel Ángel y Durero.
Cupido, dios del amor, es hijo de Venus y Marte, sin embargo, la relación con su madre ha sido representada en algunas ocasiones en la Historia del Arte con cierta dosis de sensual ambigüedad. Los dos dioses del amor se convierten en este cuadro en símbolos de incesto y lujuria, como en Alegoría del triunfo de Venus, de Bronzino.

Peter Paul Rubens, Adán y Eva:

Se trata esta de una obra temprana de Rubens (1577-1640), en la que ya venos su tendencia a retratar el desnudo, aunque todavía no ha desarrollado su particular canon estético de figuras bien entradas en carnes. Es un cuadro de belleza clásica, quizás más próximo aún al Renacimiento que al barroquismo de su estilo maduro.

Henri Rousseau, La boda

También conocido como El Aduanero, por su trabajo, Henri Rousseau (1712-1778) no comenzó a dedicarse por completo a la pintura hasta su jubilación. Su falta de formación otorgó a sus obras una personal ingenuidad en sus trazos y en el uso de los colores, lo que lo convirtió en uno de los máximos exponentes del arte naïf. Tuvo el apoyo de algunos de los artistas de la Vanguardia, como Gauguin y los simbolistas.
En The wedding party representa una escena de boda de unos personajes desconocidos y, por su estatismo, podría haberse basado directamente en una fotografía. Aunque la disposición de los personajes no está muy lograda, la obra no pierde encanto. Además, contiene un autorretrato del propio pintor, a la derecha, tras la novia.

Francisco de Goya, El quitasol

Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) es uno de los pintores más grandes de la Historia. Su obra es difícil de encasillar, ya que pintó en muy diversos estilos e incluso se adelantó a su tiempo, por lo que muchos lo consideran precursor de las Vanguardias.
Entre sus primeros trabajos destacan los cartones que realizó para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, en los que retrata de forma idealizada la vida de la Villa de Madrid, ciñéndose al gusto rococó del monarca, Carlos III. Entre estos cartones, econtramos El quitasol, que retrata una escena de galanteo entre un majo y una maja. Estos van ataviados con la indumentaria típica del majismo del Siglo XVIII. Originariamente, los majos y las majas eran los tipos populares que vivían en Madrid. Se caracterizaban por su peculiar forma de vestir, en contraposición al afrancesamiento imperante, y por su actitud alegre y descarada. Los nobles acabaron imitando la forma de vestir de estos personajes y fueron ellos los que probablemente retrató Goya en estas escenas, a juzgar por lo distendido de su vida y por la riqueza de su vestimenta.

Jean Auguste Dominique Ingres, Gianciotto descubre a Paolo y Francesca:

La obra de Ingres (1780-1867) es también difícil de enmarcar en un estilo, ya que su pintura oscila entre el Neoclasicismo, el Romanticismo y el Realismo. Es conocida la influencia de este autor sobre Picasso, tanto en la forma de retratar el desnudo, como en la temática.

Muchas obras pictóricas, como la que nos ocupa, se basaron en esta historia real sobre una pareja de amantes de la Edad Media. Dante nos relata la historia en el Quinto Canto de La divina comedia, puesto que Paolo y Francesca se encuentran en el Infierno. Francesca había sido desposada con Gianciotto, quien no debía ser muy agraciado, y se enamoró del hermano de éste, Paolo, quien se convirtió en su amante.

« Leíamos un día por entretenimiento en la historia de Lanzarote, cómo le aprisionó el Amor. Estábamos solos y sin recelo alguno. Más de una vez sucedió en aquella lectura que nuestros ojos se buscasen con afán, y que se inmutara el color de nuestros semblantes; pero un solo punto dio en tierra con nuestro recato. Al leer cómo el gentilísimo amante apagó con ardiente beso una sonrisa incitativa, éste, que jamás se separará de mí, trémulo de pasión, me imprimió otro en la boca. Galeoto fue para nosotros el libro, como era quien lo escribió. Aquel día ya no leímos más.» (Dante, La divina comedia. Traducción de Cayetano Rosell ).

Renoir, Baile en el campo:

Renoir (1841-1919) es uno de los pintores franceses más relevantes y uno de los padres del Impresionismo, aunque pronto abandonó este estilo para dedicarse, sobre todo, al desnudo y a la sensualidad femenina. Es por eso que es considerado como el último eslabón de una cadena de pintores que destacaron en este género, entre los que encontraríamos a Rubens y Watteau.
Renoir pintó dos obras dedicadas al baile, realizando a través de ellas una comparación entre el ambiente en el campo, Baile en el campo, y en la ciudad, Baile urbano. La modelo del primero es Aline Charigot, quien se convertiría en la esposa del pintor.

Víktor Vasnetsov, Ivan Tsaverich:

Víktor Vasnetsov (1848-1946) fue un pintor ruso que realizó numerosos cuadros de temática histórica y mitológica.

En este cuadro retrata a uno de los personajes más famosos del folklore ruso, Iván Tsaverich, en una de sus aventuras: Ivan Tsaverich y el lobo gris. El zar había enviado a su hijo Iván en busca de un pájaro de fuego, pero un lobo gris se come a su caballo. Al ver el lobo lo afligido que está el héroe por no poder continuar su búsqueda, se ofrece como montura. Si quieres leer el cuento entero, pincha aquí: http://herver.musicaviva.com.ar/Ivanlobo.htm

Hodler, Love middle-couple

Ferdinand Hodler (1853-1918) fue uno de los más destacados pintores suizos del siglo XIX. Realizó obras realistas y se interesó por el Impresionismo, pero su obra más personal y madura se caracteriza por una mezcla de estilos, entre los que podemos destacar el Simbolismo.

De este modo se convirtió en uno de los principales representantes de la Secesión en Berlín y en Viena.

Koloman Moser, Dos chicas

Este cuadro de Kolo Moser (1868-1918) guarda cierto parecido con el anterior, aunque en este caso podría representar el amor homosexual. De hecho la obra de Ferdinand Hodler fue una de las mayores influencias de Koloman Moser, destacado pintor austriaco que fundó, en 1897, el grupo de La Secession, junto a Gustave Klimt y otros artistas.

Vincent Van Gogh, Pareja en el parque de Arles

Van Gogh (1853-1890) vivió un espacio de tiempo muy corto y pudo dedicarse a la pintura tan sólo durante 9 años. Sin embargo, se convirtió en uno de los más grandes pintores de la Historia del Arte y además fue tremendamente prolífico, ya que pintó más de 800 cuadros. Considerado neo-impresionista o pos-impresionista, su vibrante estilo es inconfundible y refleja lo atormentado de su espíritu.
El sueño de Van Gogh era crear una comunidad de artistas en Arles, aunque sólo Paul Gauguin acudió a su llamada. Para decorar La casa amarilla, donde se instaló en la citada localidad, pintó una serie de jardines de influencia impresionista, como Pareja en el parque de Arles.

Gustave Klimt, El beso

Sin duda, este es el cuadro más conocido del pintor simbolista, Gustave Klimt (1862-1918). Cuando lo exhibió por primera vez, en 1908, se titulaba Los amantes y tuvo un gran éxito de crítica, convirtiéndose en todo un símbolo de la Secession. Existen varias interpretaciones acerca de su significado, por el escorzo que presentan las figuras y por hallarse en el borde de un precipicio. Éste podría ser un símbolo del peligro ante el que se halla la relación, mientras que la forzada pose ha sido interpretada por algunos como un rechazo de la mujer ante la actitud violenta y dominante del hombre. Se cree que los modelos son el propio artista y su amiga Emile Flöge.

Joaquín Sorolla, Desnudo de mujer

Sorolla (1863-1923) fue el máximo exponente del Luminismo en España, corriente pictórica influida por el Impresionismo, que centra su atención en los efectos de la luz y en captar el particular ambiente de cada lugar.
Sin embargo, en esta obra el pintor abandona la playa y los jardines que tanto le gustaba retratar, para recrearse en las sugerentes curvas de su mujer, de la que estaba muy enamorado. Desnudo de mujer es una de las obras de Sorolla en la que vemos claramente la influencia que sobre él ejerció Velázquez; nos basta con recordar la célebre Venus del espejo.

Amedeo Modigliani, Pareja de novios

Amedeo Modigliani (1868-1920), nació en Livorno, donde su madre, con la intención de darle el impulso vital que le faltaba debido a su delicada salud, lo animó a dedicarse a la pintura. Posteriormente, primero en Venecia y luego en París, Amedeo Modigliani vivirá intensamente la Bohemia, relacionándose con los artistas más innovadores del momento. Sin embargo, Modigliani no se adscribirá nunca a ningún movimiento concreto, desarrollando su particular estilo a por medio de la pintura y de la escultura.

Susan Bower, Moon and Stick

Susan Bower es una artista británica, que ha sido premiada en numerosas ocasiones. Es miembro del Royal Institute of Oil Painters y de la Royal Society of British Artists. Su estilo se caracteriza por la espontaneidad, como se observa en esta romántica escena.

Impresionismo en la Fundación Mapfre

2010-01-20T11:39:00.042+01:00

El pasado 15 de enero abrió sus puertas al público una exposición muy interesante en la sala de la Fundación Mapfre del Paseo de Recoletos: Impresionismo, un nuevo renacimiento.*

Aunque quizás alguien piense que el Impresionismo está ya muy visto, creo que la visita merece la pena, ya que han traído las grandes obras del maravilloso Museo D’Orsay de París.
Éstas son algunas de las pinturas que puedes admirar en la exposición y que tenemos disponibles en El arte para todos:

Éduard Manet (1832-1883) pasó a la historia como uno de los padres del Impresionismo, a pesar de que nunca fue un impresionista puro.

El pífano

En 1866, presentó El pífano en el Salón de París, donde obtuvo un veredicto muy negativo por parte del jurado. Esto le procuró las alabanzas de Émile Zola en un artículo, quien fue despedido debido a las protestas de los lectores. Se ha hablado ampliamente de la influencia de Velázquez en este cuadro (recuerda a su Pablo de Valladolid) por el uso de un fondo neutro y la consecución del volumen gracias, entre otras cosas, a la sombra bajo los pies. También se observa una influencia de la estampa japonesa (que era muy popular entre los impresionistas), “especialmente en los pantalones, planos y realizados con manchas de color” (http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1539.htm).

La evasión de Rochefort, Manet

Manet también pintó, en 1881, La evasión de Rochefort, acogiéndose a un estilo y temática cercanos al Romanticismo, con el objetivo de ganarse el beneplácito del jurado en el Salón de París de ese año. Sin embargo, el pintor decidió presentar finalmente el retrato del marqués.

En la otra cara de la moneda tenemos a los artistas de estilo academicista, como William Bouguereau (1825 –1905), quien triunfaba en el Salón de París, gracias a sus escenas de temática mitológica, su factura minuciosa y sus referencias a la pintura renacentista.

El nacimiento de Venus, William Bouguereau

El nacimiento de Venus (1879) es uno de los cuadros más destacados del aclamado pintor. “Según la leyenda, Venus es considerada hija de Urano, cuyos órganos sexuales, cortados por Cronos, cayeron al mar y engendraron a la diosa, convirtiéndose en la mujer nacida de las olas o la nacida del semen del dios. Nada más nacer, Venus fue llevada por los Céfiros a la costa de Chipre donde fue vestida por las Horas y conducida a la morada de los Inmortales” (http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/4087.htm).

La clase de danza, Degas

Por otra parte, en Edgar Degas (1834-1917) observamos claramente las contradicciones de la época, ya que el artista participaba en numerosas exposiciones impresionistas, a la vez que criticaba los principios básicos del movimiento. Este pintor pasará a la Historia sobre todo por sus escenas de ballet, en las que centra la atención en lo que hay al otro lado del escenario: clases, ensayos… De todas ellas, La clase de danza (1873-75) es quizás la más conocida, y destaca por el logrado efecto de profundidad y por el retrato que contiene del prestigioso bailarín y profesor Jules Perrot.

Quizás menos populares son Caillebotte y Stevens.

Gustav Caillebotte (1848-1894) tenía un estilo mucho más tendente al realismo. A pesar de ello, es también considerado uno de los padres del Impresionismo, aunque es más conocido como mecenas que como pintor.
Este cuadro, Los acuchilladores de parqué (1875), también fue rechazado por el jurado del Salón de París de 1875, porque consideraron que el tema era demasiado vulgar. Sin embargo, el valor de esta obra reside precisamente en la belleza con que retrata una escena de arduo trabajo, propia del proletariado urbano del último tercio del siglo XIX.

Por último, la obra del belga Alfred Stevens (1823-1906) puede situarse a la vez en la pintura de género, el academicismo y el Impresionismo. En su cuadro El baño (1867) podemos observar otra nueva tendencia de la época: retratar temas mundanos.

Le bain, Alfred Stevens

* (No existe ningún vínculo legal ni contractual entre EL ARTE PARA TODOS y la Fundación Mapfre, ni ninguna implicación de Reprotel en la organización de la exposición).